近两年来，得益于海内艺术展馆的蓬勃兴起，一些展览连续成为热点，其中不少美术馆也不再以精英姿态去说教和贯注知识给公共，千奇百怪的声光电展示效果乐成圈粉了一大票原本跟美术馆无缘的年轻受众，于是坊间有了“美术馆成为视觉游乐场”以及一些展览成为“网红展”的看法。对于年轻人蜂拥“打卡”艺术展的现象，业内人士各执一词。“打卡”真的比看作品更重要吗？展览“亲民化”真的会影响美术馆的功效定位吗？这对海内美术展馆的运营又会发生哪些影响？海内“网红展”方兴未艾“网红展”是随着社交媒体、互联网经济和新的消费模式兴起而泛起的一种社会文化现象。

凭据外文翻译过来的观点，即“快闪展”或适合照相并分享在社交媒体上的展览。“快闪展”最早可追溯至2007年的纽约，此时艺术品的展示空间十分紧缺，于是这样一种短时高效的空间使用方式便应运而生。然而，直到2016年纽约的冰淇淋博物馆开放、5天内30万张门票被一抢而空，“快闪展”才真正进入并占据了公共视野。

“雨屋”展览现场，上海艺术喜好者在2015年第一次感受到“沉醉式”艺术的魅力中国的网红展现象险些在同一时期初露眉目。从2013年“草间弥生——我的一个梦”在上海今世艺术馆吸引了约30万人观光，险些是海内第一个到达刷屏的今世艺术展，毕加索、梵高、莫奈成为那段时间展览上常见的名字，到2015年《雨屋》的到来开启了网红展览新阶段，再到2019年吸引许多年轻人的鲍勃·迪伦大展和2020年9月未展先火的苏轼大展，排队看展似乎早已司空见惯。同时，随着民营美术馆的生长和壮大，险些每年都市有几场引起关注的排队展。

民众排队看展渐成常态，美术馆也有了更开放的姿态，展馆在展示艺术作品的同时，通常会体贴地设置几处“打卡”作品，也成为其展览运营和推广的一部门。由此，美术馆不再以之前高屋建瓴的精英姿态应对普罗公共，而是将民众聚集在美术馆当中，勉励民众主动发现和分享在展览中所获得的体验。2019年3月7日，“草间弥生：爱的一切终将永恒”展在上海复星艺术中心开幕寓目和鉴赏艺术 并非专业人士的特权网红化日趋成为美术馆及其展览的一个现象，如今许多民营美术馆都在以“自己是不是一个网红打卡点”为考量来做展览。对此，记者采访了上海艺仓美术馆艺术总监张熹，他认为，需要从两个角度看：第一，现在美术馆基本面临着谋划的问题。

就中国的美术馆来讲，它的主要收入泉源于门票、展览周边和赞助。这三项有一个配合的指标——人流量，也是许多美术馆馆长的KPI（关键绩效指标）。

基于此，美术馆就会接纳一些方法去调动公共。第二，美术馆是一个传统行业，从最开始的沙龙到博物馆，再到分化出的美术馆，美术馆的观众和寓目方式也在历史中有了一些变化。我们从工业化社会逐渐转向商业化社会，又到了现在所谓的物联网社会，接受知识、认识世界的方式也发生了庞大变化。

今天来美术馆的主力人群多是80后、90后和00后，他们发展在互联网时代，接受信息的方式是平面化、碎片化的，同时又是具有互动关系的。这样一群人的文化配景和社会配景完全差别于上世纪五六十年月的人。展览的表述方式发生的变化，在一些守旧主义者看来，可能就是一种网红式的展览。

美术馆已成为打卡地但业界人士认为，信息化时代，许多美术馆的谋划仍面临很大挑战，借助网红展获得更多的流量，是对美术馆谋划的正反馈，能资助其更好地连续性地谋划和生长。从美术馆治理者的角度，张熹对于“网红式”展览的态度是努力的。

“没有这样的展览，年轻人另有可能进入美术馆吗？如果因为这样的一些展览，年轻人买了票，走了进来，用眼睛看到了一些工具，在他的视觉影象中存在了一个片段。这个片段也许在未来的十年、二十年后，就会起到很好的作用。

做一个展览，我绝对希望不仅仅来一千个绅士一样的人，可能更希望来一万个年轻人。网红展作为一种新的现象，我们不能简朴地说，它就是肤浅的，这种现象另有待视察，一切都在变化发展中。”鲍勃·迪伦 《无尽公路Ш》流量上来了，展览越发“亲民化”甚至“低龄化”了，这种平滑式的寓目和相同，会不会影响美术馆的功效定位？对此，河南省美术家协会副主席、河南省美术馆原馆长化开国认为：“网红这个字眼背后，实际上是随着科技生长而发生的一种新的流传形式，它能够通过互联网表达自己的看法，从而形成流量体，一定意义上，网红的发生是人在社会阶级中话语权的上升。每一份体验和感知都是名贵的，寓目和鉴赏艺术并非专业人士的特权。

网红美术馆是时代的一定，让艺术通过网红的推广，走入寻常黎民的生活当中。网红不会改变美术馆的定位，因为美术馆的内容永远是第一位的，如果没有好的展品，好的筹谋，单纯靠网红运营是不行能的，也是不存在的。

”谈及今世艺术展览，化开国更有自己独到的看法，他以为如今海内的一些美术馆开始实验对传统艺术和展陈方式提倡挑战，装置、新媒体、沉醉式展览似乎越发被民营美术馆所喜爱。同时，美术馆也一定有它的学术定位，好比要收藏，要举行严肃的学术展览，要举行更多的艺术民众教育。如何到达学术性和流量兼得，是未来海内艺术展馆面临的重要命题。

“KAWS：始于终点”余德耀美术馆展览现场 2017年展览自己的艺术含金量 永远是第一位的“网红展”的背后，意味着艺术家和美术馆要通过思考和事情方式的转变，使得艺术在公共领域中流传发酵，发挥最大的效应。中国国家博物馆原副馆长、著名美术理论家陈履生对本报记者表现，数字化的时代，包罗博物馆、美术馆在内的许多传统行业都不行能完全拒绝数字技术、拒绝屏幕。数字技术可以辅助展陈、提升教育、动员推广等，其中3D扫描可以资助文物复制，数字化技术还可以提升书画的复制水平……现代化的复制技术可以到达传神的皮毛，却不能深入焦点，不管怎么做“沉醉式”，怎么搞“声光电”，说一千道一万，人们还是要去博物馆、美术馆看《蒙娜丽莎》《向日葵》《清明上河图》。

2016年《不朽的梵高2.0》艺术特展“搞新科技的植入，治理者的初衷是想通过‘新’来吸引眼球，效果一哄而上，反而形成了新的‘千馆一面’。”陈履生说，“据我所知，许多博物馆几年前花了许多钱搞了新名堂，几年之后，设备老化，技术更新，却跟不上变化，难以应对泛起的问题，许多场馆中的电子设备不能正常运转，体现出了科技化后的尴尬。因为当初布展时有许多预算，而开馆之后在日常经费中缺少更新的用度支持。

如此，正似乎传呼机在模拟信号时代的‘新’，成了数字时代的‘旧’。现在传呼机已经不见踪影，成了博物馆中的展品。

科技在不停更新换代，而博物馆、美术馆还在那里。”在美术馆缔造一切有利条件去吸引与造就观众的同时，我们也应注意到，展览自己的知识含量、艺术价值永远是第一位的。

“对于我们来说，展览的焦点固然是重要的，当你把这个形式做得足够吸引人，观众愿意来打卡也不是欠好，可是如果形式逾越了，或者说它的表象逾越了展览的焦点，然后酿成一个快速消费的历程，可能也不是我们做展览的初衷。所以无论是策展人还是主办方，首先要想清楚展览的焦点到底是什么，这个度要掌握好，不要喧宾夺主，如果只是个壳儿的话，我以为观众很快就会把它消费完，也不会有真正进一步打卡的可能性，而是时髦一阵儿也就已往了。”北京画院院长、中国美协策展委员会副主任兼秘书长吴嘹亮对本报记者这样表现。

2017年，龙美术馆（西岸馆）“詹姆斯·特瑞尔回首展”，观众在作品前争相留影不知不觉中，众多美术馆向民众推送的展览和运动，已成为都会生活的一部门。随着一家家美术展馆的建设，都会文化也在不停提升。无论是艺术界，抑或观众群，对“艺术特展网红化”均有清醒的认知和自身的价值判断。

究竟艺术是有潮水和迭代的，真正的好作品，不应该恐惧成为“网红”。因为终究，真正的艺术仍是沉淀且可以直面人心的。END。

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