从“超市展”到“上海广场”：1999年，“超市展”：“消费就是理想，消费更解恨”；2020年，“上海广场”：“把激情的商业做大”。1999 - 202021年前，淮海路的商场还没有受到电商的打击，不需要日以继夜地钻研新的商场模式，策展型零售、博物馆零售这些观点还没有泛起，它们坐享着革新开放、经济腾飞、消费升级的红利。其时，艺术家杨振中31岁，徐震22岁，在上海定居的德国人飞苹果（Alexander Brandt）28岁，他们正摩拳擦掌，激情涌动，跃跃欲试今世艺术、实验艺术的能量。

他们三小我私家，找了包罗自己在内的33位艺术家，在上海广场一起办了一个“超市“展，英文标题是“Art For Sale”，即“出售的艺术”。名副其实，这个艺术展同时包罗了一家暂时超市，在展厅入口处设置了一个区域，部署了摆满商品的货架，就像普通超市的样子。只是这些货架上的商品，都是由艺术家开发的，有点像近年盛行的“艺术衍生品”观点，兼具艺术观点创意与实用功效，且批量生产、销售，以此有别于艺术品、或原作的观点。

图片来自：1999年上海广场“超市”展览画册21年后，杨振中、徐震、飞苹果三小我私家今年再聚首，携同多位艺术家，带着艺术重回上海广场。作为商场重启大典，与商场同名的“上海广场”展览用色彩亮丽、造型生动的实体雕塑、装置、影像等作品，与滑板、沙发等艺术产物，占据着商场主入口公共区域、一楼中庭与部门商铺。

徐震®小我私家的作品《永生(希腊柱，高跟鞋)》是两根踩着放大到真人巨细的红色经典细高跟鞋的柯林斯柱头罗马柱，两根柱子的顶上是商场重新装修后的挑高中庭；它们的周围也没有其他的柱子，有的是作品、商铺和来来往往的人。这两根柱子，让我们自然地想到古希腊与古罗马文明，想到“广场”这个词在一千多年前爱琴海沿岸的意义，它所承载的对“乌托邦”的讨论与畅想；想到依赖皇权与宗教生活的人们眼中的宫殿和庙宇…Steve Harrington，《GOTCHA》，2020，玻璃钢、喷漆，590 x 245 x 700 cmJeff Staple，《STAPLE PIGEONS》, 2020，玻璃钢、喷漆，500 x 350 x 450 cm 徐震®，《交流（挤压，拉伸，长高）》，2020，树脂、喷漆，500 x 615 x 380 cm“上海广场”，把激情的商业做大徐震®，《永生(希腊柱，高跟鞋)》，2020，玻璃钢、喷漆，820 x 390 x 133 cm开幕晚宴席间，杨振中到走廊吸烟，聊到1999年他们其时想自发地筹谋一个和当年上海的情况发生关系的展览，所以联系了很多多少商业性的公共空间，其中就包罗上海广场。

由于对方不认识他们三小我私家，所以就需要他们一定要挂靠一家像模像样的单元。于是他找了一个朋侪，这个朋侪在一家现代艺术中心事情，这其中心是官方的下属单元。

朋侪帮助印了带单元抬头的手刺，他们拿着手刺去找上海广场，才顺利付了租金，并以这家现代艺术中心作为主办单元，做成了“超市“展。惋惜，展览只开了三天就被关了。“超市”展，1999年上海广场如今，我们只能通过“超市“展的画册和老照片回味这场展览。

展厅入口挂着“消费就是理想，消费更解恨”的口号，文字左右颠倒，鼓胀着对消费主义的思考和回应，宣示着艺术与其所在情况的关系。洋溢着中国今世艺术青春期的激情、不羁与爽朗的诙谐。那是一个组织泛起松动、机构尚未抵达、资本蓄势待发的“自由创作”时代。

超市中贩售的产物包罗朱昱贴着“脑浆”字样和大脑图案的罐头，隽誉其曰“全部知识学的基础”；耿建翌印着“灵魂”(Psyche)字样的6粒装黑白胶卷，号称具有消气、解闷、去恼、除烦的功效，售价30元；阚萱的“阚萱！哎！”洋娃娃取自同名录像，其中艺术家在人头济济的地铁站中朝着人流相反的偏向前行，一边艰难地避开涌来的人潮前进，一边朝着前方呼唤“阚萱！”然后自问自答地回应“哎！”，如此重复。洋娃娃成为艺术家对自我身份反观的天然象征物——女孩子们往往会用洋娃娃举行身份饰演。轻拍这个金发碧眼、穿着漂亮洋装的娃娃，她就会说，“阚萱！”“哎！”图片来自：1999年上海广场超市展览画册施勇的“中国制造-上海接待你”，售价170元人民币，20美金，也是唯一标了美金价钱的产物——一尊他本人烫着玛丽莲·梦露发型、穿西装、戴墨镜、拎公牍包的小雕像，完全匹配他说的目的消费者，即“宣传中国的国际友人”。

施勇说，这个雕像，是其时他把一系列自己变装的照片传到英特网上让大家投票、效果得票率最高的形象。图片来自：1999年上海广场超市展览画册“超市艺术展”画册的扉页印着多家赞助商的logo，例如曾经红遍大江南北、却早在2008年就倒闭了的贝塔斯曼书友会（画册就是由贝塔斯曼印制的）。

那这个或许是中国第一个在商场中举行的、获得商业机构资助的今世艺术展，是否是对今天艺术与商业、公共融合的预兆？图片来自：1999年上海广场超市展览画册市场经济下的全球化世界以经济增长作为永恒的命题，企业以逐利为目的和动因，不停创新商业模式，开发市场潜力，提升消费欲望。新的品牌层出不穷，技术不停为企业赋能，“文化”与“艺术”也成为了赋能的创新基因。那么，在商业模式不停创新的这些年里，艺术的模式又发生了怎样的改变？艺术的生产机制变化了吗？资本的叙事是：资本越多，可能性越多，越容易乐成。这不仅是一种话语，也是一种被不停验证和强化的规则。

它基于一种垄断性的价值评判体系，并转移、渗透到整个社会的运转与社会关系的建设中。这是今世利维坦，而创新是它的养料，甚至成为一种需求，一种必须源源不停供应的能源。那么，这种创新，与我们在艺术中所熟悉的缔造力之间会发生怎样的关系？杨振中，《一二一》，2012，电子装置，尺寸可变所以，针对2020年的“上海广场”展览，不仅可以展开对所谓商场美术馆化、或美术馆商场化的讨论，以及商场与美术馆在艺术公共性上的配合与差异的讨论，还可以延展到艺术的原生价值与今世价值体系之间共通性的讨论。

整体社会的财富增长了，掌握一定财富的民众也在增多，而作为流通商品的艺术的市场也在扩大，艺术的一些特质也被解构为视觉设计、造型能力、感知力等等，并应用到更广泛的设计与制造情景中；与此同时，美术馆开始兼任艺术研究、教育、消费场域等多重角色（在中国、以北京、上海为首，美术馆以惊人的速度繁衍，展览与公共运动出现显着市场化运营的趋势）。在这个历程中，资本与空间的支持正在倾斜为一种需求。如果把1999年视作旧商场时代，其时的艺术家们主动寻求空间与资本的支持以实现自己的创作想法；那当今的新商场时代，艺术家与消费升级、商业赋能的商场之间正在形成一种新的关系。

而徐震，凭借其搭建的“生态系统”（没顶公司、没顶画廊、徐震®、art-ba-ba等），成为商业化公共艺术生态中的生产者。徐震，作为艺术家、策展人、品牌、企业家的多重身份自然体现在了此次“上海广场”展览中。他既在艺术创作中出现出商场对公共艺术体量与民众吸引力的期待，也让专卖店与部门作品力争营造一种潮酷的感受。但徐震并没有遵循传统商业的利益最大化原则、即从现成作品中选择参展作品，而是将不少预算用在了创作新作品上。

这种混杂恰恰体现了徐震的态度：不是按专业与公共两条线来定制差别的产物线（为美术馆与画廊体系提供所谓学术、观点化的作品，为商场与消费情况提供偏娱乐、休闲的公共艺术），而是实验打破已然结实的社会关系壁垒，期待那些能够体验、思考艺术原生缔造力的观众看出眉目。“上海广场”，把激情的商业做大陆平原，《“Look, I’m Picasso!” - 1802-C》，2018，铝合金，矿物颜料，400 x 280 x 160 cm陆平原，《Unboxing -食指》，《星期六-曲奇饼干8.15》，《Look！I'm Picasso-1810-C》，2020，金属、玻璃钢、漆、木板，635 x 278 x 400 cm、110 x 110 x 25 cm、165 x 80 x 120、88 x 49 x 35 cm陈莉，《关系》，2020，玻璃钢着色，165 x 304 x 265 cm徐震的雄伟蓝图还包罗正在计划中的崇明岛上的美术馆，以及在商场里设置艺术部门，将BBS时代的艺术媒体升级到抖音和小红书时代等等。他把浏览、教育、消费等差别关系通过其生态体系混杂、嫁接，主动拓展自己的艺术与民众的关系。

而他所处的情况是市场经济下，市场的评判尺度取决于收益、效率；流量经济的时代，考究基于大数据、以极高速运转的生产与收割机制。作为艺术家个体，如果能通过艺术，去不停打破这层壁垒，那将会是一项恒新的事业吧。

商亮，《拳击人的头像 NO.1》，2020，玻璃钢、喷漆，280 x 170 x 145cm向利庆，《自染》，2007，棉线、丙烯、树脂，120 x 120 x 120 cm再过21年，或许我们可以获得更确定的谜底。不外在2041年到来之前，我们期望在社会各领域萌芽的可连续生长论调也适用于艺术。

史莱姆引擎，《头条》，2020，视频，4′50″图片致谢上海广场。

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